150 años de Música Electrónica

En los últimos 10 años hemos vivido un gran cambio cultural en lo que a música corresponde. El Hard Rock y el Heavy Metal cayeron de los escenarios para convertirse en olvido y negación, todo por la llegada de un movimiento en dónde el virtuosismo técnico en instrumentos como guitarra, bajo y batería, han acabado; el cabello largo esculpido a base de spray y las guitarras acidulares y exóticas, pasaban a un tercer o último plano.

Había llegado el “Grunge”, y con él toda una tribu de músicos que para algunos ya no eran considerados “tan” músicos...estoy hablando de bandas como L7, SoundGarden, Porno for Pyros, Sonic Youth, Smashing Pumpkins, blur, pulp, NIN etc...que formaban parte de la música a la que se le denominaba incesantemente “alternativa”; palabra que vino de significar un movimiento cultural a un término despectivo....5 años después “todo era alternativo”. El movimiento de la música electrónica era cada vez más popular y conciente, después de cerca de más de 100 años de su evolución. Así pues, los grandes de la música electrónica de los 70’s volvían con más fuerza ... pero encarnados en sus producciones...eran el “poder detrás del trono”, hablando específicamente del master Brian Eno y su intervención en discos como “Achtung Baby” de U2 (a lado de Flood y Daniel Lanois) , “Outside” de David Bowie, que fueron discos que marcaron no sólo una transición sino un camino a seguir del rock. Y finalmente, también en paralelo a principios de los noventas, el movimiento Rave, festejos comunales motivados por la música mezclada por DJ’s, estaba empezando a surgir y a tomar forma en Europa.

Dentro de la música electrónica podemos hacer 3 distinciones:

1) La música creada electrónicamente a través de señales de sonido generadas por osciladores ( como puede ser un sintetizador)

2) la recontextualización de sonidos reproducidos por dispositivos electrónicos (como puede ser desde un tornamesa o grabadora hasta un sampler)

3) La música creada en base a herramientas o dispositivos que para su funcionamiento necesitan de energía eléctrica y que por sí solos no son instrumenos musicales ( por ejemplo sirenas, turbinas de avión, taladros , etc..., en esta distinción subrayaría la importancia de la música industrial)

De estas tres distinciones, actualmente estamos viviendo el auge del segundo punto... “la recontextualización”.

Los nuevos “músicos” de nuevos géneros musicales (como jungle, Drum n’ bass, trip hop...etc) a los ojos de la música tradicional no lo son . Podemos ver a un Tricky (precursor del Trip Hop) afirmando en sus entrevistas que no sabía tocar ni un instrumento, que no sabía cantar, que no sabía de notación musical... y entonces ¿qué hace?.... bueno pues lo que hace es “recontextualizar”....dicho en otras palabras .... La recontextualización sonora es el arte de dotar de un sentido distinto a un ruido o sonido con el hecho de extraerlo de su origen y colocarlo en otro ambiente.

En los cambios culturales, algunas palabras cambian de sentido y de rumbo.....de la palabra “músico” podemos extraer 2 nuevas acepciones:

• “El músico no es sólo el que estudió música o ejecuta algún instrumento musical .... es el que hace sentir a través del sonido”

• “El ser músico de ahora es el que domina el arte de la recontextualización”

Los instrumentos para la recontextualización sonora han existido desde hace poco más de un siglo, simplemente que no se habían conscientizado como instrumentos musicales... un ejemplo es el fonógrafo, que fue de los primeros ‘samplers’ sin embargo el Sampler como instrumento musical y comercial surgió a mediados de los 80’s.

Un Sampler es un dispositivo que almacena y graba sonidos de cualquier fuente, y en el cual se les puede manipular o secuenciar “ es la compuerta musical a una nueva estética - la guerrilla cultural de fusilarse sonidos de fuentes sin rastro en la ‘datósfera’, algo verdaderamente despreciable para las nociones tradicionales de originalidad en un mundo cada vez más ‘disponible’”[1] . Ahora en lugar de haber músicos virtuosos en la guitarra o en la batería... no es raro encontrar algún virtuoso en el uso del sampler, un verdadero diseñador y manipulador del sonido.

Otro elemento imprescindible de la música electrónica es la mezcla, hay mucho de qué hablar, su colaboración en este cambio cultural lo podemos delimitar en 3 puntos principales postulados por Paul D. Miller : “1) por su naturaleza, critica la idea de la propiedad intelectual, 2) redefine un valor artístico comunal en contraste con la mayoría de las formas de arte en el contexto social capitalista, 3) Crea una interface de la tecnología de la comunicación de manera que la antroporfomiza... En fin, la cultura DJ posiciona a la música como una extensión de la relación neurolingüistica entre los hombres...nos revela un lugar donde voces diferentes, ritmos y tonos se fusionan para crear un flujo sincrético de sonidos a manera de memoria externa” [2] Los DJ’s no sólo son virtuosos del ‘scratch’ sino que ahora son productores, ahora igual que los artistas y escritores de nuestro tiempo están modelando la forma en que percibimos la música . Para lograr a cabo estas cualidades culturales, instrumentos como el tornamesas fue muy importante tanto que si lo tomamos en cuenta como un instrumento base para la generación de la música electrónica actual, podemos decir que fue el primer instrumento de este género que se inventó aunque no de manera consciente.... y no, no estoy hablando de los 70’s, de la época del “Saturday night fever” estoy hablando de los 50’s...pero del siglo XIX.

1850 – Investigadores Franceses desarrollan el fonoautógrafo, un dispositivo que grababa sonidos en un cilindro.

1870 – Tomás Edison, empieza a desarrollar el Fonógrafo o máquina parlante. Consistía en un cilindro envuelto en papel estaño que giraba sobre un eje. El receptor era una trompetilla acústica que tenía en un extremo un diafragma metálico provisto de una aguja de marfil que vibra con el sonido que llegaba al aparato.

1870 – La mayoría de los expertos cree que el Telharmonium fue el primer instrumento electrónico musical (recordemos que el tornamesas no fue usado como instrumento sino hasta mucho después) y era un disco que rotaba en un campo magnético ocasionando variaciones sonoras en las señales eléctricas.

1876 – Elisha Gray inventa el telégrafo musical. En estos tiempos, no había teléfono y los telégrafos estaban llegando a todo los rincones del mundo. El principal problema era que la linea telegráfica sólo permitía transmitir un mensaje a la vez, Además el interés de varios telegrfistas, como Elisha Gray, era inventar un nuevo método que transmitiera múltiples mensajes a la vez . Elisha Gray empezó a trabajar sobre esto cuando su sobrino le mostró un experimento extraño que consistía en un oscilador eléctrico, una bañera y una mano. Este experimento generaba un sonido, las oscilaciones eléctricas eran transformadas en vibraciones acústicas a través de la oscilación de la mano electrificada . Elisha Gray mejoró el invento y en lugar de la bañera usó el cuerpo de un violín y un plato de metal, y descubrió que el “nuevo” instrumento tenía un timbre diferente, entre la bañera eléctrica y el violin. Desde ese entonces, Elisha Gray supo como generar y transmitir sonidos con la electricidad, descubriendo que a través de la línea telegráfica podía transmitir acordes, muchas notas o señales . Para demostrar esta propiedad para transmitir acordes Elisha, inventó un banco con 8 osciladores que podría controlarse con un teclado de piano ¿Primer Sintetizador?. El invento de Gray dio la vuelta a todo USA causando asombro. Como dato cultural Elisha Gray patento el teléfono dos horas después que Alexander Graham Bell.

1890 – Músicos comienzan a grabar, el cilindro del Fonógrafo permite grabar de 2 a 4 minutos de audio, por estos años . Los Músicos comienzan a grabar sus sesiones con varios fonógrafos.

1892 – Se inventan los primeros discos planos para grabar... se hacen llamar discos para gramófono

1912- Luigi Russolo, artista futurista italiano y compositor, diseño varias máquinas generadoras de sonido, entre ellas estaban los ‘entonadores de ruido’ que eran usados por compositores famosos como Stravinski y era usado para representar sonidos de la naturaleza en varias frecuencias.

1916 – Los anarquistas Hugo Balle, Tristan Tzara, Marcel Janco & Richard Hue – lsenbeck fundaron el movimiento artístico Dadaísta después de su primer encuentro en el Cabaret Voltaire en Zurich. Los Dadaístas creían en la transmisión de ideas a través del sonido más que a través de las palabras, lo consideraban un medio más libre y sincero de expresión. Como rebelión cultural los Dadaístas creaban música basada en sonidos industriales. Composiciones como ‘An-na Blume’ (1919) & ‘Ursonate’ ( 1923) de de Kurt Schwetters , dieron inicio al desarrollo de la música ‘abstracta del siglo 20.

1920 – Se inventa el Theremin por Lev Sergeivitch Termen, y fue el predecesor del sintetizador Mini-Moog, es único desde el punto de vista de que es el primer instrumento que suena sin tocarlo físicamente. También junto con el Theremin aparecen otros instrumentos electrónicos como el Ondes Martenot y el Trautonium.

1923 – George Antheil, un joven de 23 años y amigo de James Joyce, Ernest Heminway, Stravinsky, Ezra Pound y Pablo Picasso entre otros; escribía uno de los primeros capítulos de la música Industrial..... “El Ballet Mécánico”. Esta obra implicaba en escena a 16 pianolas, una sirena, y turbinas de Avión, obra claro que el autor nunca logró escuchar tal y como él la escribió. Debido a limitantes tecnológicas, como la falta de MIDI, (Music Instrument Digital Interface... protocolo que comunica a un instrumento con un ordenador), Samplers y computadoras, esa obra nunca se interpretó completa sino hasta 1999 con la producción de Paul D. Lehrman... 75 años después de su concepción y 40 después de la muerte de Antheil.

1925 – La amplificación eléctrica (los micrófonos) son inventados, esta invención forzó a los ingenieros a re-diseñar los reproductores de sonido. La compañía Victor responde a esta innovación con la caja de sonido Ortofónica, sensible a altas y bajas frecuencias.

1931 – El investigador de EMI , Alan Dower Blumlein, inventa el sonido estereofónico para grabación.

1939 – Se inventa la cinta magnética, John Cage compone “Paisaje Imaginario # 1” la primera pieza que usó una reproducción electrónica

1940 – Emergieron los primeros DJ’s, en la historia, su labor era entretener a las tropas que estaban del otro lado del mar. Estos DJ’s estaban armados con una tornamesa, un amplificador y varios discos de Glenn Miller, Las Hermanas Andrews y Benny Goodman entre otros. Era más práctico que mandar a todas estas bandas hasta el otro lado del mar.

1950 – Karlheinz Stockhausen, estudioso de la música electrónica, edifica su teoría y praxis de la música electrónica. Invención de los discos de 45RPM de 7 pulgadas. Nace la “musique concrete”, con Pierre Henry y Pierre Schaeffer al componer “Symphonie Pour Un Homme Seul”. La “musique concrete” se logra usando sonidos extraídos del entorno y a su vez distorsionarlos en varias formas para crear música, es la manipulación compleja en cinta para crear efectos.

1951 - John Cage compone “paisaje imaginario #4” en el cual se usa por primera vez los radios como instrumentos.

1952 – El primer concierto de música electrónica en América se lleva a cabo por Otto Luening y Vladimir Ussachevsky en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Luening y Ussachevsky colaboraron en otros trabajos combinando en escena a músicos que ejecutaban instrumentos tradicionales con sonidos electrónicos mientras trabajaron como codirectores de El Centro de la Música Electrónica en Columbia-Princeton.

1958 – Invención del Piano Electrónco (E – Piano)

1960 – El sintetizador analógico Moog, creado por Robert Moog, es lanzado comercialmente con gran éxito. Nuevos sonidos y conceptos son usados en la música, como las composiciones matemáticas de Arnol Schonberg y Eric Satie, así como las obras creadas a “máquina” del mencionado anteriormente Luigi Russolo.

Se crea el “Dub” que es una rama del Reggae de naturaleza electrónica, de bajo ‘tempo’. Así como los primeros remixes encabezados por King Tubby. Nace el “afterbeat” que es una variación rítmica que dio lugar al ska.

1960 (finales) – El Reggae toma demasiada importancia a nivel mundial. Lee “Scratch” Perry, Edward “Bunny” Lee y King Tubby, empiezan a trabajar con estudios multipistas; se convierten en los mejores productores de Reggae.

1967 – Pink Floyd, una banda británica de rock progresivo, publica su primera obra: “the piper at the gates of dawn”. Esta agrupación tenía la cualidad de ensamblar atmósferas psicodélicas, con instrumentos como: órganos, sintetizadores y guitarras

1968 – Walter Carlos publica un disco llamado “Switched on Bach” el cual contiene obras de Johann Sebastian Bach pero tocado en un sintetizador Moog.

King Tubby , desarrolla el ‘corte’. Como maestro del corte de acetatos de cera hechos para él , extraía las partes que no tenían voz de cualquier canción y creaba otra nueva versión del la pieza.

1969 – Kool Herc , considerado el primer DJ del Hip Hop, desarrollo la técnica de “cutting breaks”, es decir , encontró la manera de extender en un acetato los “breaks” o rupturas de ritmo, indefinidamente. Utilizando una mezcladora y dos acetatos idénticos reemplazaba una y otra vez el segmento deseado. Lo que Kool hacía era extraer breaks instrumentales de percusiones, y cantar sobre esas partes.

1970 (principios) – Technics saca a la luz su tornamesa original SL-1200. Giorgio Moroder es considerado el pionero de los sintetizadores en la música electrónica disco.
 

1970 (mediados de) - La música ambiental nace junto con los trabajos de Brian Eno y su álbum “ Another Green World”. George Clinton pionero del funk psicodélico, era una continuación de una extraña relación entre el afro, el espacio y la imaginería de la ciencia ficción... fue un eslabón muy importante en lo que es la música funk y el Rythm and Blues.
 

1970 (finales) – Juan Atkins, visionario de la música electrónica, fundador de Cybotron y quien sería el fundador del movimiento Techno en Detroit , hace su primer obra

1970 – Gracias a las cualidades del SL-1200, el “scratching” (técnica en la cual se ‘rasguña’ el disco con la aguja del tornamesas) se perfecciona en Nueva York por los DJ’s Hip Hoperos. Throbbin Gristle crea el sello ‘Industrial Records’; la música industrial toma fuerza.

1971 – Ralph Hutter, Florian Schneider y compañía, forman Kraftwerk; la primera banda de música electrónica.

1980 (principios de) - DJ Frankie Knuckles es uno de los pioneros de la música House. En el entonces conocido Warehouse de Chicago este DJ mezclaba ritmos disco, funk y soul ; en Nueva York un foro que también ayudó al desarrollo del House, fue el Paradise Garage.

Los discos de 12 pulgadas con pistas de breaks percusivos, contribuyeron al nacimiento de la Música House.

Los “Nuevos Románticos” aparecen, grupos como Depeche Mode, Erasure, , heaven 17, Yello, Klaus Nomi, DAF, Japan, etc... Skinny Puppy de Canadá y Severed Heads siguieron pero con un estilo más pesado.

A fresh-from-the-oven generation of young European bands such as

1980 - Roland saca al mercado el TB-303 “bassline machine” y el TR-808 “drum machine”, estos instrumenos son de gran importancia para el auge de la música electrónica tiempo después.

1980 (mediados de) – Los primeros samplers (Ensoniq Mirage y Akai S900), instrumentos que permiten digitalizar sonido y mani pularlo, salen con éxito al mercado.

1987 - La música House se divide en dos subgéneros: Acid House y Techno.

1988 – Músicos de Chicago y Ron Hardy encontraban nuevas aplicaciones del TR-303 para crear Acid House

1989 – La escena “Rave”, ( que eran la organización de festivales masivos en los cuales cientos o miles de gentes bailaban toda la noche la música mezclada por diversos DJ’s) , que derivó del Acid House, estaba creciendo cada vez más en Europa; tanto que en El Reino Unido los promotores hacían eventos con miles de gentes en las afueras de Londres , los cuales duraban varias noches. A principios y mediados de los 80´s aparecieron en escena grupos como Einsturzende Neubauten, Swans, Sonic Youth... donde los conceptos de “No Wave” y “Noise”, dieron lugar a géneros como el Gabbahouse. Y a su vez, la cultura Hip Hop empieza a ocupar una gran importancia en el género Breakbeat.

El Género Gabba/Hardcore Techno nace en Alemania, cuando DJ Rob en sus presentaciones llevaba el techno a sus extremos. El Hardcore Techno es de los géneros más extremos en el Techno, puede llegar a velocidades impresionantes , hasta 1000 beats ( golpes) por segundo.

1990 – 2000 Variantes del Ragga y Hip Hop empieza a tomar sus caminos, creando géneros como el Breakbeat (con representantes como Fatboy Slim, Fluke, Crystal Method, Chemical Brothers), el Trip Hop (con Tricky, Massive Attack , Portishead grupos provienientes de Bristol.. Este es un género en el que la música está a un tiempo lento y usa sampleos o progresiones armónicas un poco jazzeras. Así también recurren al uso “Lo-fi” , es decir, al uso o sampleo de Discos viejos de pasta para dar una textura de audio de baja fidelidad ), Jungle, Drum n’ bass ( con representantes como Roni Size, Goldie, LTJ Bukem, DJ Hype, Nico, Ed Rush, Grooverider, entre otros. Estos géneros se distinguen por contener secuencias percusivas a gran velocidad en contraste con melodías a mitad de tiempo de otros instrumentos; el jungle podríamos decir que es un poco “atascado” , en cambio el drum n’ bass , es más limpio y tiene la cualidad de incorporar progresiones melódicas e instrumentos clásicos del jazz).

En 1994 nace algo nuevo, el Techno y el House se volvían más pesados y crudos... aparece la música Tribal un eslabón entre el Hardcore y el Ambient. Empezó con artistas como Cosmic Baby, Oliver Lieb. El Trance derivó en varios Subgéneros: Hardtrance, Acid Trance, Trance core (una mezcla de Trance y Hard core) , el Goa Trance / Trance Psicodélico y más y más derivados del Trance, alcanzando éste popularidad entre 1996 y 1997 a través de sellos discográficos como Blue Room, Released, Dragonfly, Phantasm, Tip..etc.. artistas como The Infinity Project, Juno Reactor, Mindfield y Youth jugaron un papel importante en revivir ciertas ideologías de finales de los 60´s y principios de los 70’s ´pero con tecnología...

Actualmente el auge del “techno pop”o “electro pop” es inmenso , figuras como Moby, Orbital, Deep Forest, The Orb, Enigma, Black Box, Inner city, the KLF se han convertido en héroes de la escena pop. Tanto que por ejemplo un ícono de esta escena como lo es Madonna ya no hace una producción sin su gurú William Orbit también productor y músico “electro pop” , al igual que David Bowie, que se ha convertido en un fanático de un fanático suyo... Trent Reznor. Varios de los grupos mencionados anteriormente como Enigma y Deep Forest van más allá de del uso de instrumentos electrónicos... son conciliadores de lo autóctono, de lo lejos.. de la historia; usando sampleos de canciones regionales del Asia, África, cantos gregorianos, nos transportan a otro tiempo, a otro mundo, pero a la vez se quedan en éste para formar parte del Billboard Chart.

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